Basta col Karaoke. L’ho sempre pensato. E devono averlo pensato anche in Spagna, da dove nasce l’Anti-Karaoke.  Tutto rigorosamente made in Spain: «El ùnico karaoke “andergraun” de Barcelona. Finally, a Karaoke that doesn’t suck!».

E di che si tratta? Boh, ancora non l’ho capito bene, soprattutto non capisco a che serve una cassetta da lettere, ma mi sembra secondario e comunque , come riporta Thriller Magazine.es, resta opzionale.

Gli ingredienti essenziali sono invece quattro. Primo: mettere in sala una folla sfrenata di schizofrenici, ubriachi (o vogliosi di diventarlo al più presto), amanti del chiuso soffocante e dei colori. Secondo: metti sul palcoscenico una più matta di loro, che a ogni canzone cambia abito e anche se è stonata tiene il palco e balla come una diva. Terzo: dai al pubblico la possibilità che lei (e soltanto lei) canti le canzoni che loro (e soltanto loro) hanno deciso di richiederle. Quarto (but not least): proibisci qualsiasi richiesta che non sia rock, heavy metal o pop-rock internazionale.

Ecco l’Anti-Karaoke, un misto di musica cantata, balli e voglia sfrenata di volersi divertire a tutti i costi, tra scene rock, punk, vaudeville, grottesche, un misto tra il Rocky Horror Picture Show e una corsa all’eccesso. Ideatrice l’americana show-woman Rachel Arieff, che vive a Barcellona e lì, alla Sala Apolo 2, ha impiantato il suo spettacolo pirotecnico che va in scena ogni lunedì. Ma da un po’ di tempo c’è anche a Madrid, alla Sala El Sol, il primo mercoledì del mese.

Canti, balli, lancio di pane, e circa 500 canzoni da poter richiedere. Anche se chi la conosce sa che «Rachel potrebbe cantare qualsiasi cosa». Da I Will Survive, o Queer dei Garbage, a We’re not Gonna Take it dei Twisted Sisters. Il tutto rispettando però due tradizioni: la chiusura con Killing in the Name dei Rage e Kids In America di Kim Wilde, e soprattutto l’apertura con New York New York. Lei la canta stonatissima, poi agguanta una bottiglia di Jack Daniels e inizia a saziare le gole del pubblico, fingendo un fallo e pisciandogli in bocca del wiskey. Se ci capitate, fateci un salto.

Per quanto ci si possa sforzare di tenere fuori dai discorsi la politica, alla fine, poi, spesso è la stessa musica a tirarcisi dentro. Anzi, la musica, almeno dal Novecento a oggi, è stato uno dei propulsori per la propaganda, di vario genere, dalle rivolte sessantottine alle tematiche contro (o a afavore) di droghe, alcol, croci e demoni.

Se poi ci si mette che l’intero pianeta è colpito ormai da cinque anni da un male che sembra incurabile, e che porta il nome di crisi economica, allora parlare di politica e musica, sembra quantomai inevitabile. Sono gli stessi artisti a volerlo, ed è lo stesso pubblico a richiederlo. Lasciamo stare le solite stronzatelle amore e cuore di Sanremo e guardiamo oltreoceano. In quell’America «sull’orlo della plutocrazia», come scriveva ieri il columnist del Berkeley Daily Planet, Bob Barnett, facendo il punto sull’attuale crisi economica americana e sulle prossime elezioni presidenziali Usa. Che secondo lui saranno piuttosto «un referendum sulla leadership economica di Obama». In America si parla sempre più di «lotta di classe» e «divario sociale», tra chi guadagna troppo e chi troppo poco.

«Il 99% degli americani è preoccupato per il crescente divario economico, ma la buona notizia – sintetizza Barnett – è che questo 99 percento di americani non ha ancora capito che questa decennale lotta di classe sta per chiudersi con una loro sconfitta». La cartina tornasole dello stato d’animo popolare, spesso è affidata alla cultura, quindi anche alla musica, che si fa veicolo del malessere generale.

Tra gli artisti più impegnati negli States c’è sicuramente Ani DiFranco, che lo scorso 17 gennaio ha pubblicato il suo ultimo album: Which Side Are You On?. «Da che parte stai?», è il titolo di una famosa canzone di protesta, scritta nel 1931 (quindi a ridosso della prima grande depressione economica del ’29) da Florence Reece, moglie (e attivista) sindacalista Sam Reece, che quell’anno fu protagonista di un movimento di protesta dei minatori (Union Miner Workers) ad Harlan County, Kentucky. La canzone fu anche citata da Bob Dylan in Desolation Row, e fu cantata da tantissimi artisti di seconda fascia. Stavolta con Ani si prepara a sfondare nel grande pubblico, ma con un testo decisamente più lungo e in parte (tenuto dell’originale soltanto il ritornello), riadattato alla situazione odierna. Il primo passo è il riconoscimento che siamo in una guerra di classe e deve prendere posizione. «Recentemente – scrive Barnett – Ani Difranco ha aggiornato le parole della vecchia canzone dell’Union, Which Side Are You On?. Giustamente riassumono la situazione politica attuale:

Thirty years of diggin’

Got us in this hole

The curse of Reaganomics

Has finally taken its toll.

Lord knows the free market

Is anything but free

It costs dearly to the planet

And the likes of you and me.

I don’t need those money lenders

Sucking on my tit

A little socialism

Don’t scare me one bit!

Which side are you on now

Which side are you on?

«Questo è il racconto di come tutto era sospeso, tutto calmo, in silenzio, tutto immobile, ancora, e la distesa del cielo era vuota». Così inizia il Popol Vuh (“Libro della comunità”), una raccolta di miti e leggende dei vari gruppi etnici che abitarono la terra Quiché, uno dei più antichi regni maya in Guatemala. Un libro sacro, la loro bibbia, su cui il nulla è la pace dei sensi e all’inizio c’è solo aria, acqua, cielo.

Ne prende spunto Florian Fricke, leader del gruppo omonimo al libro, i Popol Vuh, appunto. Questa è In den Gärten Pharaos, traccia omonima al secondo album del gruppo krautrock tedesco, 17’40” di brano, praticamente la metà del disco cvomposto da sole due composizioni. Essendo musica terapico-iniziatica, tribale, dove le armonie del suono si fondo a quelle della natura, con l’acqua di sottofondo (tipico della musica araba), va ascoltato al massimo della concentrazione. Solo così si può beneficiare degli effetti taumaturgici, dell’energia che in essa è contenuta. Buon ascolto.

Sul britannico Telegraph è in atto un lungo dibattito, condito da articoli e approfondimenti quotidiani sul tema dell’Economia verde, la “Green Economy”. La rubrica si chiama The Age of Energy, e tra i nomi dei vari sostenitori dell’iniziativa omonima (in collaborazione con la Shell), compare anche quello del fondatore della Virgin, Richard Branson. Il Telegraph per l’occasione lo ha celebrato pubblicando un suo profilo biografico in cui è tratteggiata anche la genesi di un colosso che ormai spazia dall’aeronautica all’automobilismo.

Oggi Branson è uno degli uomini più ricchi del Regno Unito (con un patrimonio stimato di oltre 4,4 miliardi di dollari), ma soltanto 40 anni fa era solo un amante di musica. Tutto iniziò nel 1970, quando Richard aveeva 20 anni e creò la sua Virgin. All’inizio altro non era che un rivenditore di dischi per corrispondenza. Quello che oggi fanno milioni di appassionati nel mondo grazie a siti come Amazon e e-bay, allora significava essere un pioniere. Poco dopo Branson si aprì un negozio in Oxford Street a Londra (non provate ad andarci perché oggi ci troverete la catena Zavvi).

Prosegue la storia con la nascita, due anni dopo, del primo studio di registrazione Virgin, a Oxfordshire. Dove il primo artista scritturato dall’etichetta, Mike Oldfield, registrò il suo bellissimo Tubular Bells. Ormai Branson cavalca l’onda, nel 1977 firmano per la Virgin anche i Sex Pistols, seguiti da tantissimi altri gruppi, dai Culture Club ai Rolling Stones, che incideranno per la Virgin gli ultimi tre album (da Voodoo Lounge, passando per Bridges to Babylon, fino al più recente A Bigger Bang).

Dal suo retrobottega, Branson ha creato una gallina dalle uova d’oro, che attirò la EMI ad acquisirne il pacchetto di maggioranza fino al 1995, quando Branson (che era rimasto presidente della EMI) si ricomprò la Virgin, e tutta la EMI, andando a fusione. Operazione che portò la Virgin all’interno delle quattro major (Universal, EMI, Sony, Warner Bros).

Oggi il Gruppo Virgin conta circa 200 aziende in oltre 30 paesi, ha ampliato i suoi settori a tempo libero, viaggi, turismo, telefonia, tv, radio, festival di musica, finanza e salute. Attraverso il Fondo Virgin Green, sta anche investendo nelle energie rinnovabili e sull’efficienza delle risorse. Nel febbraio 2007 la società ha annunciato il Virgin Earth Challenge – con un premio di 25 milioni di dollari per promuovere una tecnologia valida che porterà alla riduzione netta di attività umane e gas serra atmosferici.

Nel luglio dello stesso anno, Branson ha contattato Peter Gabriel, Nelson Mandela, Graça Machel e Desmond Tutu, annunciando la nascita degli Elders: «Un gruppo indipendente di leader mondiali – scrive il Telegraph – che lavorano insieme per affrontare alcuni dei problemi più complessi del mondo». Insomma, dalle file alle poste per spedire un disco a cinque sterline, al sodalizio con Mandela. Prossimo obiettivo? Lo spazio: per 200mila dollari, tra poco si potrà montare sulla navicella WhiteKnight Two, dalla quale Branson vi promette che vedrete la Terra come non l’avete mai vista prima.

Nelle due vite da cantautore di Federico Salvatore, l’una frivola e cabarettistica, l’altra di denuncia e attenta ai problemi della sua Napoli, Storie di un sottosviluppato… sviluppato sotto!!! fa ancora parte della prima. Ma in ottica futura, si può dire che questo album già contiene un poco di profondità in più rispetto ai quattro album precedenti, qualche gemma nascosta da valutare indipendentemente dalle altre (insomma, quelle da dare i porci…).

Non mi dilungherò eccessivamente sul personaggio, per il quale in parte ho già offerto un marginale profilo nelle Vite Parallele. Mi limiterò a fare alcune considerazioni su questo disco: sono tredici tracce, in cui se dovessi fare la classifica delle tematiche affrontate da Salvatore, non esiterei a mettere in cima alla lista l’ossessione contro l’omosessualità. In contrasto con quanto poi presenterà a San Remo con Sulla Porta, in questo Storie Federico Salvatore sfiora l’omofobia. Non so se il suo sia un intento sarcastico, quasi a voler difendere una categoria sputandogli veleno (in chiave antifrastica allora…). Se  così fosse, beh, gli è riuscito malissimo.

Il massimo dell’ispirazione in questo senso emerge soprattutto in Herojto Kuna Kekka, una breve filastrocca melodicamente anche ben costruito, dove il primo verso recita imitando un cinese: «Essele floci è male davvelo ingualibile». Per carità, non voglio fare il moralista, ma è chiaro (anzi chialo…) che oggi a distanza di quasi 20 anni e quindi con un pochino di civiltà in più, una canzone del genere sarebbe impresentabile e in molti lascerebbero la poltrona del teatro (a parte il rischio di una marea di comunicati da Arcigay). In Zero… 81 ne tira fuori un’altra: «Meglio tardi che mai, meglio tardone che gay».

La seconda ossessione di questo disco è l’esatto opposto dell’omosessualità, vale a dire la passione per i giochi di senso (e di parole) sull’altro sesso. A Me Mi Piace per esempio, è una serie di allusioni su una mancata “ficcata”, ecco, per una questione di diversità di vedute: «A te ti piace il tango, io voglio far la polka…» è solo una delle tante. Però non è tutto fumo, c’è anche qualcosa di pieno, ma acerbo ancora.

Siamo tuttavia nel periodo immediatamente precedente alla grande esplosione del cantante, che inizierà a farsi conoscere su scala nazionale nel 1994. Da lì alla musica impegnata il passo sarà breve, Salvatore non abbandonerà mai l’ironia, ma circondato da musicisti sempre più coinvolti, lascerà che i suoi testi si adagino su musica originale e non sulle hits già sentite degli anni passati. Sono ancora tanti i testi che riprendono le note dei tormentoni, molte si discostano di poco dalla melodia originale, altre restano identiche all’originale, come S.Frutta la Frutta, riadattata sulla identica base di Brutta di Alessandro Canino.

Tengo a precisare, alla fine, dopo tante critiche, devo ammettere che l’intero disco risulta orecchiabile e si ascolta con piacere. Certo, se vorrete ascoltare buona musica, mettetevi i Rolling Stones, ma comunque è divertente e leggero. Parlando di qualità, personalmente trovo molto riuscite Chi vò fumà, Ninna Nanna 2, o Mani, piacevoli mix tra musica napoletana, swing, soul e punte di gospel. Il mio voto però non va oltre il 5,5.

Tracks:

1) ’51 Montesacro

2) Cu mme

3) Vecchio Frak

4) Herojto Kuna Kekka

5) A me mi piace

6) Zero…81

7) Chi vo’ fuma’

8) Ninna nanna n°2

9) S-frutta la frutta:

a) Guantanamera

b) Putesse essere allero

c) Brutta – Mani – Solitudine – Rock’N USL – Mezzo tango

Un tripudio di collaborazioni incrociate, dove la musica del terzetto si incastra (ma meglio dire: viene abbracciata) dalla potenza di trombe, sax e tromboni.

Meno convenzionale, ma non per questo inferiore (anzi!), il secondo album, Swinging Brass, più riflessivo, dove sotto la direzione attenta di Russell Garcia, il piano di Peterson si riprende il ruolo di protagonista assoluto.

Al primo ascolto la prima cosa che si coglie è la straordinaria tendenza del cantante Cyrus ad imitare Peter Gabriel. Dai Genesis, al primo vagire dei flauti si finisce in ovattate atmosfere più consone a gruppi come Jethro Tull, o Gentle Giant. Se andate su You Tube c’è una vasta raccolta di video che includono gli scozzesi Citizen Cain tra le “most underrated prog bands”, vale a dire: tra i più sottovalutati. Ahimé, accade troppo spesso. Vale la pena ascoltarli (meno vederli, sinoma, sembrano una band metal…), e farsi un’idea di come il prog si sia sviluppato negli anni.

Con una piccola considerazione: chi il prog lo faceva nei Settanta, poi lo ha in parte abbandonato proseguendo un suo studio personale e sperimentale. I giovani che il prog lo hanno prima ascoltato e poi studiato, hanno provato a solcare quel filone e credo che alla fine in molti siano rimasti scottati dal fatto che si era già detto tutto. Sinceramente non sono molti i gruppi di questo genere che dagli anni Novanta ad oggi mi hanno pienamente convinto (per uno studio sull’argomento vi corre in aiuto la “Masterpieces of Progressive Rock“).

Ce ne sono tantissimi che meritano, ma anche tanta robaccia in giro per il mondo. Di seguito vi riporto la traduzione in italiano della biografia dei Citizen Cain (gioco di parole sul film del ’41, Citizen Kane di Orson Wells), tratta da Progarchives. Leggendola mi sono venute in mente due cose: il travaglio di un gruppo che vive il fallimento della sua etichetta e nonostante questo alla fine porta a casa cinque dignitosi dischi (Serpents In Camouflage, Somewhere But Yesterday, Ghost Dance, Raising The Stones, Playing Dead). E che tuttavia, sul confronto con il passato, un po’ di ragione ce l’ho.

Sono una band originariamente formata a Londra nel 1982, da Gordon Feenie (batteria/flauto) e Cyrus (basso/voce), ai quali si è unito poco dopo Tim Taylor alla chitarra. Anche se gran parte della critica li valutò subito bene, si sciolsero nel 1988 e Cyrus tornò in Scozia. Due anni più tardi Cyrus ha incontrato un vecchio amico, il chitarrista Frank Kennedy, che con altri suoi amici, Stewart Bell (batteria/chiavi) e Dave Elam (basso) aveva già scritto un paio di brani. Dopo pochi mesi Stewart e il batterista Chris Colvin sono stati inseriti nel gruppo. Con Cyrus alla voce e flauto, la formazione dei Ctizien Cane era completa.

Nel ’91 è stato registrato il loro primo demo, ricevendo ottime recensioni. L’anno seguente è stato registrato il loro album di debutto: Serpents In Camouflage. La band non rimase soddisfatta del risultato ma l’etichetta SI Music ha deciso comunque di pubblicarlo. La line-up è poi cambiata nel corso degli anni successivi, con Alistair MacGregor alla chitarra e Arkles Nick alla batteria e, infine, reclutando Andy Gilmour al basso. Con questa line-up i Citizen Cain hanno registrato Somewhere But Yesterday, pubblicato sempre dalla SI Music nell’ottobre ’94.

Nel 1996, la SI Music andò in bancarotta, ma i loro album sono stati ri-pubblicati su etichetta Cyclops. Come avrete già intuito i Citizen Cain sono un gruppo progressive rock della Scozia. A mio parere le loro influenze potrebbero essere Jethro Tull, Camel, Marillion e Genesis, che sembra essere il gruppo che più li ha influenzati. Riprendono sonorità simili a Nursery Crime, Foxtrot, Selling England by the Pound. Ma non fraintendetemi, Somewhere But Yesterday non suona datato, tutt’altro. È molto complesso, fresco, eccitante e a volte anche divertente, e poi i Genesis di oggi non sono la stessa band che erano tanti anni fa.

Ora anche se i Citizen Cain mostrano diverse analogie con le suddette band prog, non importa, le canzoni in fase di produzione sono tutti eccellenti e si viene assorbiti completamente nell’ascoltare i loro album. Anche se il confronto dell’ascoltatore porta subito in mente il passato, sono in grado di offrire buona musica di qualità. Le composizioni lunghe sono una costante dei loro album. Ci sono alcuni assoli bellissimi di tastiere e flauto, e le costolette strumentali sono certamente rinfrescanti per una band che è andata a martellare su Gabriel/Fish.

Come ci faceva notare Foxtrot tanto tempo fa nella sua recensione su Fish Rising di Steve Hillage, c’è tutto un lavoro precedente svolto da Hillage con i Gong. Oggi vi suggerisco allora l’ascolto di Sold to the Highest Buddha, seconda traccia del disco Angel’s Egg, a sua volta seconda gemma della trilogia Radio Gnome Invisible.

Qui, come tutti i componenti dei Gong, anche Hillage compare nei crediti del personale con uno pseudonimo: Sub. Capt. Hillage. La sua chitarra è uno dei piatti forti dei Gong, ma non c’è soltanto lui. A colpire sono anche il basso di T. Being esq. (Mike Howlett), e il sax di Bloomdido Bad De Grass (Didier Malherbe). Le incursioni di quest’ultimo ricordano molto quelle di Chris Wood in molte jam dei Traffic di qualche anno prima.

La cerimonia si terrà di fronte alla Capitol Records Tower al 1750 N. Vine Street di Hollywood. La stella di McCartney verrà allocata in compagnia dei suoi 3 vecchi compagni di avventura, chiudendo così il cerchio Beatles in Vine Street. Questo è anche l’ultimo di una serie di riconoscimenti che Sir Paul ha ricevuto negli anni. Nel 2010 aveva ricevuto il premio Gershwin consegnato dal Congresso degli Stati Uniti per mano dello stesso presidente Usa, Barack Obama. McCartney riceverà un altro premio sempre a Hollywood: il MusiCares Award, per il suo costante impegno nelle cause benefiche.

Tra le sue maratone di beneficenza, va ricordato il Live Aid del 1985, quando una Let it Be eseguita al pianoforte, portò poi sul palco al fianco dell’ex Beatle, artisti come Bob Geldoff, Pete Tonwshend, David Bowie. Resto dell’opinione che la beneficenza con la musica fa anche tanta pubblicità, ma questa è un’altra storia.

Per quanto le loro storie possano sembrare sconnesse, vedrete che tuttavia tra Pink Floyd, Genesis, Popol Vuh, Can e Clarence “Gatemouth” Brown, ci sono molti più paralleli di quanto potrebbe sembrare. Ma occorre andare nel micro per osservarli. E allora partiamo da un piccolo preambolo: progressive, blues, rock psichedelico, elettronica, tutto è mescolato. Torniamo indietro all’anno 1972: cinque anime diverse, cinque spaccati di quanto può offrire la musica di quel periodo. Parto dai Genesis, perché forse quello, più di tutti, è il loro anno. Attenzione, non fraintendetemi, è vero, fu anche l’anno di Octopus dei Gentle Giant, e di Thick as a Brick dei Jethro Tull, per carità. Come non ricordarli.

Però non credo di dire un’eresia sostenendo che con Foxtrot, i Genesis misero tutti in fila. Non ce n’è, e l’intro di organo di Tony Banks in Watcher of the Skies introduce subito l’ascoltatore dell’epoca a prender coscienza della piena maturazione di Gabriel e compagni (compiuta definitivamente con il successivo Selling England by the Pound).

Il resto del disco lo spiega accoratamente il nostro Foxtrot (il nostro autore, non il disco), e non mi dilungo troppo nel dettaglio. Ma dico che l’ultima suite Supper’s Ready è di una meraviglia senza precedenti, gli arrangiamenti, le partiture, l’enfasi che Gabriel ci mette per rappresentare la scena, tutto è una grossa esplosione di sentimenti, un insieme di strumenti, che passo dopo passo inventano e traspongono qualcosa di nuovo:

Non posso fare a meno di notare un’altra cosa, che per me non è un dettaglio. Foxtrot venne pubblicato il 6 ottobre, un giorno non casuale in quanto, per dirla alla Guccini, ci sono nato io. Ma dalla visione del video precedente, emerge quanto il già citato Foxtrot avesse ragione quando mi disse: «Per capirli fino in fondo, vanno visti dal vivo». Ecco, vedere i Genesis con Gabriel sul palco era come andare a teatro. Questo ci aiuta a fare un primo confronto con i Pink Floyd. Con Gilmour, Waters, Mason e Wright, dal teatro si passa al cinema, dolby surround e 3D insieme.

Entrambe le band facevano dei loro concerti veri e propri spettacoli (in questo definitiva sembra la pienezza dell’ultimo The Wall di Waters), tra esplosioni di luce, colori e giochi pirotecnici. I Floyd inarrivabili nella seconda tipologia, i Genesis geniali nella prima, con Gabriel che è un Pierrot ricco di movenze e di espressioni tra il serio e il faceto. I Genesis erano l’eleganza, i Pink Floyd la superbia e la detonazione. I Genesis pastellati, dai contorni sfuggevoli, come un quadro di Chagall. I Pink Floyd surreali, tra Matisse, Dali e De Chirico. Proprio mentre i Genesis pubblicavano una delle opere più celebri e riuscite, per paradosso il 1972 è anche l’anno in cui i Pink Floyd fecero “flop”. Nel senso che il loro Obscured By Clouds, opera concepita come colonna sonora per il film La Vallée, del francese Barbet Schroeder, non ebbe il riconoscimento che ci si attendeva. Tanto flop che neanche il regista ne utilizzò l’intero materiale sonoro, lasciando integre nel film soltanto la title track (più avanti segue il video con l’attacco originale del film, così come si presentò al cospetto del pubblico in sala) e l’ultima traccia Absolutely Curtains. Tutto il resto finisce in pellicola come accenno marginale del film stesso.

È vero, era difficile replicare il successo di More (altro disco per colonna sonora dei Pink Floyd), ed è altrettanto vero che è più semplice derubricare Obscured by Clouds a semplice disco sperimentale in vista del colossale The Dark Side of The Moon dell’anno successivo. O meglio, materiale di scarto. Ma ammetto che quando guardo all’immensa discografia dei Floyd, un pensierino gentile a Obscured lo faccio sempre. L’ho ripreso dopo tanto tempo, al primo riascolto ho pensato: «Accozzaglia di repertorio da sgabuzzino». Al secondo è seguito un semplice «però…», al terzo è scattato di nuovo il colpo di fulmine. Perché gli slide di Gilmour sono i fratelli di quelli che riecheggiano nel precedente Meddle, perché certi assoli sono di una purezza che ritroveremo soltanto in The Wall, e anche perché per la prima volta sono riuscito a carpire (ma solo in cuffia) l’impercettibile e bagnaticcio aprir della bocca di Gilmour prima di iniziare a cantare (quello che dice Diego). Resto convinto con quanto disse Nick Mason, ovvero che Obscured fu «un disco straordinario».

Fu registrato allo Chateau d’Herouvile di Parigi, per ovvie ragioni di opportunità, visto che il film era di produzione francese. A Parigi, in quel periodo, bazzicava anche Clarence “Gatemouth” Brown, che dal 1971 al 1973 si divise a suonare tra gli studi Barclay e Decca. La somma di quelle registrazioni, molte delle quali sono live (in quel periodo divenne ambasciatore ufficiale della musica americana nel vecchio continente), fece nascere quello che verrà ricordato come il suo primo disco ufficiale: The Blues Ain’t Nothin’. Ma CGB aveva già una carriera di vent’anni di Texas Blues alle spalle, iniziata nel 1947 al Bronze Peacock Room di Houston, una sera in cui rimpiazzò l’ammalato T-Bone Walker e deliziò l’uditorio con Gatemouth Boogie.

Probabilmente David Gilmour non aveva neanche idea di chi fosse questo mostro sacro del blues americano, nonostante il chitarrista dei Pink Floyd si cibi fin da subito del blues e delle sue scale. Sarebbe stato bello vederli suonare insieme. Dopo oltre 20 anni, compresa una serie di collaborazioni con il portentoso chitarrista country, Roy Clark, quel Brown parigino fu un campionario di eclettismo e di blues ibrido. Dentro c’era il violino country (che Clarence suona quasi meglio della chitarra), la grande influenza del jazz delle Big Band, e la fissazione per Count Basie, di cui CGB riprenderà diversi arrangiamenti. La sua passione per il jazz e per la Swing Era la si nota soprattutto dalle sezioni di fiati che compongono questa Take My Chances:

Ma lasciamo Parigi e spostiamoci un po’ più a est, nella Germania divisa, in quegli stessi anni vero calderone di esperienze musicali di livello internazionale. Laddove il Krautrock stava diventando l’alternativa al prog di Canterbury. Almeno quanto agli esiti, e sarà banale e generalizzato, ma in città come Berlino, Colonia, i Can divennero ben presto gli asceti di questo nuovo realismo, tra elettronica, rock e acid-jazz. Il 1972 per i cinque Can (Karoli, Czukay, Liebezeit, Schmidt e Suzuki), fu un po’ l’anno della conferma e allo stesso tempo dell’accettazione che il panorama stava cambiando e gruppi come Krafterk, Neu!, Faust, ormai avevano pareggiato i conti con dischi epici come il precedente Tago Mago. E insomma, possiamo dire che l’album Ege Bamyasi, originale, surreale e provocatorio come la sua copertina raffigurante un barattolo di Okra (“Ege Bamyasi”, in turco significa “Ocra dell’Egeo”), uscirà in regime di concorrenza perfetta.

Un disco che spiega bene Scaruffi: «Una raccolta cupa e opprimente di brani concisi, gag di cacofonie elettroniche come Soup o raga nevrotici come Spoon (una delle prime canzoni a impiegare una “drum machine”). Con questo disco i Can sembrano però dirigere verso una forma degradata dell’easy-listening languido e funk dell’epoca (Vitamin C, Sing Swan Song). Con questo album i Can riconoscono (acknowledge) finalmente gli esperimenti elettronici del resto del rock tedesco». Bataclan Parigi 22 marzo 1973, di seguito 10′ di Sing Swan Song. Erano concerti lisergici i loro, e se vogliamo, con una forte dose di istinto e casualità. Se poi ammiriamo la performance finale di Irmin Schmidt alle tastiere, viene in mente Jackson Pollock. Era anche questa body music?

Mi limito ad aggiungere che in questo disco, emergono anche ritmo e sonorità che di lì a poco sarebbero diventati legge per generi come l’hard-core (penso agli Hüsker Dü), o per il successivo alternative rock: ne andò in fissa Thurston Moore dei Sonic Youth, mentre Beck fece una cover di I’m So Green. Ascoltare Ege Bamyasi in cuffia, di notte, soli, è quasi un’esperienza horror. Le urla di Damo Suzuki in Spoon, con i rimbombi e i giochi di cambio cassa, sono schegge di inferno vero e proprio che riprendono un thriller televisivo molto in voga nella Germania dell’epoca: Das Messer. Nella descrizione di Scaruffi finisce anche il raga, musica classica indiana che mi è funzionale per presentare l’ultimo disco ’72 di questo Extra: Hosianna Mantra dei Popol Vuh. Anche loro tedeschi, ma con un appeal e un punto d’arrivo decisamente opposto a quello dei Can. E se fino al ’71, si erano dilettati anche loro nell’utilizzo del moog e nel complesso dell’elettronica, temi comuni al krautrock di allora, da questo disco in poi i Popol Vuh abbandoneranno (quasi) definitivamente l’uso dei sintetizzatori, per lasciarsi andare in sonorità classiche, acustiche e in parte anche orientali, senza escludere un primitivo ancoraggio su tematiche religiose, completamente assimilato con il successivo Seligpreisung. Dove i testi dei Popol diventano vere preghiere salvifiche. Lo dice il titolo stesso dell’album, che tradotto in tedesco suona come «Mantra dell’Osanna». E lo dicono i titoli delle tracce. Come questo piccolo atto di fede, il primo Andacht (traccia 6), che in tedesco significa proprio preghiera:

Insomma, misto tra filosofia orientale e cristiana, in cui il messaggio (a partire dall’icona classica di copertina e dai cori cantati della soprano Djong Yun) è una ripetizione di formule magico-religiose. Di Hosianna Mantra rimane anche l’inconsistenza al primo assaggio, con scale costruite dal piano di Florian Fricke, geniali per la loro semplicità tecnica.